El grafiti

                                                       El GRAFITI

Se llama grafiti, grafito, graffiti o graff a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre propiedades públicas o privadas ajenas (como paredes, vehículos, puertas y mobiliario urbano, especialmente pistas de skate).


En el lenguaje común, graffiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafiti, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas (como los grafiti de los disturbios de mayo de 1968 en París: l'imagination au pouvoir (la imaginación al poder), sous les pavés il y a la plage (debajo de los adoquines está la playa), etc.).


La expresión graffiti se usa también para referirse al movimiento artistico de mismo nombre, diferenciado de la Pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX.

















La palabra graffiti proviene del italiano y se relaciona con la idea de grafito o de expresión gráfica. Justamente, uno de los elementos más característicos del graffiti es que se realiza siempre de manera gráfica y visual. Por lo general, el graffiti no sigue reglas artísticas más que la misma libertad de expresión del autor, y es por eso que mientras algunos son realmente complejos y verdaderas obras de arte, otros son simples frases escritas con cierta violencia en las paredes o puertas de negocios.



Se estima que los graffitis son siempre realizados por las generaciones más jóvenes que se encuentran opuestas al mundo conservador e institucionalizado de los adultos. En este sentido, en muchos países el graffiti es un delito ya que es considerado suciedad o daño de la propiedad privada. Sin embargo, en diversos lugares el graffiti ya está integrado al tejido urbano y es considerado una verdadera e importante forma de expresión cultural y popular.






Hoy en día, los graffitis se han revigorizado en muchas ciudades ya que se utilizan stencils de gran complejidad e infinitos diseños para establecer ideas o puntos de vista. Algunos de ellos son graciosos, otros cuentan con una importante ironía, pero todos lo hacen desde un lado artístico que debe tenerse en cuenta más allá del hecho en sí del graffiti.






ORIGEN






Su origen se remonta a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter satírico o crítico. Para denominar estas inscripciones de época arqueológica es más frecuente el uso de la palabra «grafito». Es un término que proviene del italiano graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y del mismo modo arqueólogos y epigrafistas llaman a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio romano.Por influencia de la cultura estadounidense, el término se popularizó en otros idiomas, entre ellos el castellano. Curiosamente, aunque el término grafiti ha pasado a muchas lenguas, en italiano se emplea el término de origen inglés writing para referirse a los grafitos de estilo Hip-Hop, ya que usan el témino grafiti para su uso en el sentido origen.


Entre los romanos estaba acentuada la costumbre de la escritura ocasional sobre muros y columnas, esgrafiada y pintada, y se han encontrado múltiples inscripciones en latín vulgar; consignias políticas, insultos, declaraciones de amor, etc; junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos en lugares menos afectados por la erosión, como en cuevas-santuario, en muros enterrados, en las catatumbas de Roma o en las ruinas de Pompeya y Herculano, donde quedaron protegidos por la ceniza volcánica. De época moderna se conocen también ejemplos, hechos por marineros y piratas que en sus viajes, al pisar tierra, dejaban sus iniciales o sus seudónimos marcados sobre las piedras o grutas, quemando un trozo de corcho.









EVOLUCIÓN






Cuando este tipo de arte llego a Nueva York fue adquirido rápidamente por muchos ciudadanos que también plasmaban sus tags (firmas) por distintas partes de la ciudad, esto lo hacían para de alguna forma hacerse populares y para dejar su marca en cada lugar al que iban. La mayoría de las veces, sobretodo al principio, los jóvenes escribían o firmaban su apodo y el número de la calle donde vivían y a veces se incluían logos o símbolos personales, por ejemplo: Taki 183, que fue uno de los primeros graffitis que se hizo conocido en la década del 60, pertenecía a era un joven (taki) que trabajaba de mensajero y dejaba su firma en todos los lugares a los que iba.


A diferencia de lo que pasaba en los Estados Unidos en esa época, en Uruguay existía y era implementado por distintos escritores un estilo de graffiti o correctamente denominado pintadas y carteles sociales que carecían de contenidos y significados artísticos, la temática era mayoritariamente política y mediante esta herramienta las personas manifestaban opiniones ya sean a favor o en contra sobre distintos asuntos.


Fue en la misma ciudad de Nueva York donde este estilo tomo mas popularidad y donde a partir de los años 70 se comenzó a modificar creando nuevos estilos propios de cada barrio de la ciudad, nuevas formas de escribir, con el objetivo de diferenciarse entre si y lograr llamar mas la atención, era una competencia entre todos los que utilizaban este arte como forma de expresión y entre todos aquellos que por alguna razón querían darse a conocer, ya sea para promover alguna idea o algún gusto en particular.













CARACTERÍSTICAS






Anonimato: Por lo general el autor nunca deja su firma, pero si se trata de grupos u organizaciones, estos dejan rastros que pueden ser identificables.


Marginalidad: Son sectores de minorías sociales y sus mensajes implican una ruptura con el sistema establecido.


Espontaneidad: Las inscripciones surgen en un momento de manera imprevista y como una forma de expresarse.


Escenicidad: Se realizan en lugares públicos a manera de que los lean la mayor cantidad posible de personas y produzcan el efecto deseado.


Velocidad: El objetico de realizar un graffiti es no ser descubierto, por seguridad y por anonimato.


Precariedad: Los medios utilizados son de fácil acceso para los graffiteros.


Fugacidad: Su duración es poca puesto que corren el peligro de ser borrados.


Leuajeng: Se interesan en que sea directo y que sea expresivo.













LA INFLUENCIA DEL GRAFITI EN LA SOCIEDAD






Al principio, los graffiteros dejaban el estilo de lado, solo les interesaban que sus trazos aparecieran en todos partes y que el gentío pudiera apreciarlos, pero conforme surgieron más de estos diseños, su pasión por lo que hacían aumentó progresivamente. Al parecer la influencia que se ha ejercido en la sociedad en estos últimos años ha sido mayor pero de forma negativa, ya que el apoyo que se les da a estos jóvenes ha disminuido constantemente llegando así, a confundirlo como grupos de pandillas, de delincuentes, quitándoles oportunidades que quizá por su falta de carencia las necesiten.


Por eso las personas deben concientizar la forma que tienen de tratar o denigrar a la persona que no se lo merita. Por consecuente, sí, deben proteger lo que realmente causa un daño o peligro para la sociedad como aquellos individuos que por estropear una pared hacen manchas, escriben nombres, etc ; así también deben reconocer y darse cuenta que el graffiti es muy diferente, éste enaltece al país y llega a formar una cultura. Por eso deben de salir de su desconociendo e incultura.


Esta sociedad está perdiendo esa belleza porque la manipulación y la transmisión que se ha dado sobre la influencia del graffiti ha sido de una forma negativa y ha causado dudas al saber si éste arte es beneficioso o perjudicial. Pero eso es totalmente erróneo, el graffiti no perjudica la integridad de la ciudad, al contrario éste la adorna de una forma extraordinaria.


Ahora los graffiteros sufren de diversas situaciones en los diferentes ámbitos de su vida. Mayormente estos son de aspecto económico y social, lo cual nos debe acercar a cooperar, a ser generosos y a brindarles una oportunidad de conocerlos, saber un poco más de ellos antes de criticar la forma de ganarse la vida o de expresar su libertad, sus sentimientos, su forma de vivir.


En los últimos años, el graffiti se ha convertido en un tema muy polémico y un problema social para muchos, por lo cual es importante recalcar cómo surgió. Éste nació en las calles de Nueva York, cuando los adolescentes por primera vez escribían sus nombres en las paredes y como la mayoría sabe, esto ha trascendido hasta hoy.
























GRANDES EXPONENTES DEL GRAFITI






Banksy






Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.










Chaz Bojorquez






Charles "Chaz" Bojorquez, llamado también antiguamente "el loco chingazo" es un pintor de Los Ángeles, California, EE. UU. inspirado por el movimiento Chicano y la estetica de lo Cholo desde su infancia en los años 50. En 1969 empieza a realizar graffiti seriamente durante más de 10 años y a finales de los de los 70 se empieza a plantear ¿Por qué pintamos graffiti? En 1979 se embarca en un largo viaje que le lleva a más de 35 paises estudiando como la gráfica y caligrafía de cada país influyen en su cultura.










Shepard Fairey






Frank Shepard Fairey, OBEY, es un artista y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX.







Retna






Retna, cuyo verdadero nombre es Marqués Lewis, comenzaron a incorporar la escritura de influencia los patrones de diseño en su trabajo en el hebreo desde mediados hasta finales de los años 90, como un flujo constante de noticias sobre la tensión en el Medio Oriente lo ha expuesto a la belleza del árabe y por escrito. Sus primeras obras contó con patrones basados ​​en los dos idiomas, a menudo rodea retratos estilizados.

                        LA MÚSICA A TRAVÉS DE LA HISTORIA


¿QUÉ ES MÚSICA?
  

Se conoce como música a la combinación de ritmo, melodía, y armonía, de manera agradable a los oídos.

En el sentido restrictivo, la música es el arte de coordinar y transmitir efectos sonoros, armonioso, y estéticamente válidos, siendo transmitidos a través de la voz, e instrumentos musicales. La música es la manifestación artística, y cultural de un pueblo.

La palabra Música procede del latín Musica, derivada, a su vez, del griego Mousike, palabra esta última que tenía en su origen dos significados: uno general que abarcaba todo lo relacionado con la educación del espíritu (colocada bajo la advocación de las nueve Musas o diosas de las artes), que se complementaba con la educación física ogymnastike, y otro específico de arte sonoro, que es el que ha llegado hasta nosotros. 

                                         

ORIGEN DE LA MÚSICA      

 Los comienzos del fenómeno musical humano, están completamente envueltos en la oscuridad .El mundo de los sonidos es algo tan incorpóreo y los primitivos instrumentos musicales de características tan desconocidas, que nada de ello ha llegado hasta nosotros .Pero tenemos un interés muy especial en saber como, cuando y por que los seres humanos se expresaron por primera vez en música; como lograron poco a poco concretar una música primitiva, que quizás estaba al servicio de otras funciones de la vida; hacer un arte de aquello y elaborar así una de las mas estimables consecuciones de los humanos. 

Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y la muerte. El movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. Danza y canto se funden como símbolos de la vida. Quietud y silencio como símbolos de la muerte.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos ( huesos, cañas, troncos, conchas) para producir nuevos sonidos.

Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (liras y arpas). Los cantos cultos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.

    

En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales.

Los tres grupos de educación Infantil han preparado un teatro en el que vemos a un grupo de hombres y mujeres primitivos que descubren el fuego y a un grupo de animales que llenaban la tierra en esos tiempos. Luego representarán una escena de caza y por último una danza ritual con timbales alrededor del fuego.

Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.

La música tiene su origen en la búsqueda de lenguaje, esto es en la necesidad de comunicación, las teorías etnomusicológicas formuladas sobre todo a partir del último tercio del siglo XIX que han tenido que ampliar significativamente en nuestra centuria el marco cronológico a la hora de determinar la antigüedad del fenómeno musical del hombre: su capacidad de distinguir diferentes alturas de sonido y la facultad de proceder a la ordenación de estos, nos remontan a hace unos 40 000 años, cuando el Homo Sapiens era capaz de imitar los sonidos de la naturaleza y diferenciarlos de los que constituían la estructura de su lenguaje, fue entonces con el llamado Homo musicus cuando comenzaron a perfilarse las primeras expresiones musicales asociadas a un hecho colectivo, rituales funerarios, cacerías y ceremonias vinculadas a la fertilidad, formaban parte de una cotidianidad de la que la música había entrado a formar parte por derecho propio.

LA MÚSICA DE LA EDAD MEDIA

La música en la Edad media se divide en el Período Patrístico (hasta el año 840). En el Romántico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII). En el Gótico (1250 a fín de la Edad Media y 1453, fines del siglo XV). En el Período Patrístico apareció la Era Cristiana y la Era Media, en esta última la historia de la música se encuentra íntimamente ligada a la forma en que se desarrolló la liturgia cristiana, ya que se consideraba a la música el vehículo por medio del cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios.


Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar la existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios religiosos. Los personajes de la música profana dedicados a la disposición de esta música fueron:
Juglares: músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y castillos.
Los Trovadores: pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que inventaban rimas y ritmos.
Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus héroes valiéndose del laúd.
Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar espectáculos musicales.  

La historiografía musical medieval suele clasificar la música medieval en tres grandes repertorios:

• El canto llano o monodia religiosa, popularmente denominado canto gregoriano. Es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y extenso, e incluye la gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época que se conserva. Es música estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y escrita a una sola voz.
• La música profana o música de trovadores. De escritura también monódica y vocal, fue creada en ambientes aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus autores son llamados trovadores (si escribían en langue d'oc o provenzal), troveros (en langue d'oïl o francés antiguo). Su temática suele ser amorosa y, aunque su escritura es semejante a la del canto gregoriano, era interpretada con acompañamiento instrumental y compás definido.
• La polifonía, música escrita a varias voces y que surge por evolución de las anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y posteriormente también en el profano.

    

  

LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

Se dice que “Renacimiento” significa <<volver a nacer>>, y una de las principales

características es el interés por la cultura. (Antigua Grecia y Roma)

Es también la época de los grandes viajes con el objetivo de descubrir nuevos mundos (Colón, Magallanes etc.)

En la época medieval todo giraba entorno a Dios. En el Renacimiento, el hombre pasó a ocupar el centro del universo, esta época fue denominada Humanismo.Ya se hacia uso de la indicación del compás al inicio de una partitura, aunque todavía no se utilizaba las líneas divisorias, se seguía un tipo de pulsación llamado tactus.

Se continuó basándose en los modos antiguos, pero los compositores utilizaban cada vez con más libertad las notas alteradas, fueron llamadas así por no pertenecer al modo en el que se escribía la obra.En el Renacimiento los compositores preferían que las voces formaran un conjunto único y que siguieran el mismo texto, en cambio en la Edad Media era distinto.

Con mucha frecuencia se hacia uso de la imitación. Era definido como: cuando una voz introducía un nuevo tema rápidamente, era imitado o copiado por otra voz.

El Renacimiento fue el Siglo de Oro de la música andaluza, impulsada por el creciente poderío económico derivado del descubrimiento de América y de la conquista del Reino de Granada por los Reyes Católicos, que hacen posible el establecimiento de las diversas catedrales y sus respectivas capillas musicales, alcanzando sus mayores cotas en el ámbito de la música europea. Los instrumentos habituales en las capillas catedralicias eran los de viento, aunque los de cuerda, especialmente arpas y violas da braccio, también participaban regularmente en el acompañamiento o en la alternancia de voces.

LA MÚSICA DEL BARROCO

La música del periodo barroco es el género musical relacionado con una época cultural europea,, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebasstian Bach, en 1750).

Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés.

A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.

Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.

    

 

MÚSICA DE LA ILUSTRACIÓN 

El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.

Además el público de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía, que compraba masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de ópera y de concierto, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo a lo popular. La difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de los compositores más destacados, de modo que el estilo se unificó en toda Europa y los autores más conocidos hicieron frecuentes giras por las principales capitales del continente.

• Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).
• Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica, respectivamente.
• Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado ajo de Alberti en el piano, o el trémolo en el acompañamiento orquestal.
• Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
• Compás muy claro y regido también por la armonía.

  

MÚSICA DEL ROMANTICISMO

El siglo XIX fue el período romántico no sólo para la literatura, el pensamiento y las artes, sino también para la mú­sica. En este lapso, autores y músicos recogen la experiencia de un Beethoven que dio brillo al período clásico y le dan nuevas formas a la música, acentuando lo individual y la expresividad. También otorgan mayor importancia a la emoción, la sensibili­dad y el sentimiento.

Los historiadores coinciden en señalar que el romanticismo amplió la estructura de la sinfonía cuya forma adquirió mayor flexibilidad; se agregaron nuevos adelantos en la orquestación; se destacó la parte melódica, y se enriqueció el lenguaje armónico, así como el ritmo.

Sobresalen en este período músicos como Franz Schubert (1797-1828), que popularizó y dio gran jerarquía artística a peque­ñas obras pianísticas como los intermezzi; Robert Schumann (1810 1856), que desarrolló una forma pianística al combinar piezas breves unidas por una idea poética central, y Félix Mendelssohn (1809-1847), que creó un nuevo género con su obra para piano "Canciones sin palabras". Pero el genio dominante de la época fue Frederic Chopin (1810-1849), al que siguieron Franz Liszt y Johannes Brahams, que cultivaron con éxito la mú­sica para piano.En el período romántico se decidió también el destino de los lieder o canciones artísticas que entonces alcanzaron gran jerar­quía. Fue Franz Schubert quien hizo de la canción un drama en miniatura, en el cual las palabras y la música equilibran su importancia. Entre las nuevas formas orquestales que atrajeron a los músicos románticos, figuran las oberturas de concierto, las varia­ciones sinfónicas y los poemas sinfónicos.

MÚSICA CONTEMPORÁNEA

El siglo XX se caracteriza por la rapidez con que se suceden los estilos artísticos en general, y los musicales en particular, y por la coexistencia de distintas concepciones sobre la música. La cultura y el arte reflejan el carácter convulsivo de los tiempos que corren. Quizás en otras épocas también convivieron concepciones artísticas tan dispares como actualmente, pero la falta de documentación (partituras, grabaciones,…) nos impide constatarlo.

  Por un lado, la música del siglo XX es un bello arte para la distracción y el placer; por otro, se convierte en un lenguaje que consigue impactar en el oyente.

  Todas estas contradicciones son propias de las personas de ese tiempo, que se ven sacudidas por dos guerras mundiales. Tras el triunfo de la revolución Rusa, los gobiernos reaccionan hacia un mayor conservadurismo, pero todavía deben luchar contra el fascismo.

  A comienzos del siglo XX se produjo una gran diversidad de movimientos culturales y artísticos. La correlación existente hasta entonces entre la música y el resto de las artes dejó de existir, debido a la rápida evolución de las corrientes artísticas.

  En un sentido estricto, la música contemporánea es toda aquella que se ha escrito en nuestra época. Ciertamente ‘nuestra época’ sigue siendo un término ambiguo pero podríamos circunscribirlo a los últimos cincuenta años. En realidad, ni siquiera los críticos y conocedores han logrado llegar a un acuerdo satisfactorio para todos en el que se defina si cualquier género de música actual o moderna debe ser considerado música contemporánea, aunque esto, en realidad pasa a segundo término, al terreno de las palabras y las definiciones, el cual pocas veces es de demasiada importancia para las artes, a excepción hecha de la literatura, por supuesto.